• Sobre la exposición
    • Artistas de la exposición 
    • Angela Glajcar

      Las esculturas de papel de Angela Glajcar normalmente cuelgan del techo y flotan en el aire. Parecen delicadas y ligeras, pero sin embargo tienen una presencia extremadamente pesada. Terforation tiene el título de sus obras cúbicas. Las obras compuestas por distintas capas verticales de papel blanco colgantes, con cortes y roturas, producen una sensación escenográfica de profundidad, como si se tratasen de cuevas. Sus obras nos recuerdan a formaciones rocosas o glaciares, que en conjunto con la luz es capaz de desarrollar distintas estructuras arquitectónicas. Así, el espectador es transportado a fascinantes espacios cargados de harmonía y silencio.

      Dirk Salz

      Los trabajos pictóricos de Dirk Salz son sobre todo reconocibles por el acabado en brillo que reciben sus obras. Estos son el resultado del uso de resina epoxi cubierto por pigmentos y el uso de barniz de poliuterano. Las imágenes de Dirk Salz siempre buscan captar las experiencia temporal de la propia visión. Demandan de esa forma un espectador activo, que se tome su tiempo para poder vislumbrar las obras desde todas las perspectivas posibles. El reflejo de uno mismo en sus trabajos representa una parte importante de su obra pictórica, ya que permite al espectador una actitud activa en la visualización de sus obras.

      Antonio Marra

      Los cuadros abstractos de Antonio Marra conquistan por su fascinante ilusión óptica, que sorprende por el cambio de color y forma que suscitan sus obras. Cada obra con su multitud de perspectivas contiene a su vez más de un motivo abstracto, que se revela en el momento que el espectador se mueve paralelamente delante del cuadro, ofreciendo distintas e infinitas visiones del mismo lienzo. Así el espectador es atraído en un caleidoscopio vivo repleto de colores. El arte de Antonio Marra está repleto de sorpresas visuales y efectos espectaculares. El artista ha llegado a crear su propio estilo artístico redefiniendo las técnicas de los artistas del Op-art y el orfismo.

      Yoshiyuki Miura

      Las obras del artista japonés Yoshiyuki Miura se pueden considerar como un intento de de regulación sistemática de la omnipresencia del caos. Con sus esculturas e instalaciones el artista refleja la continua relación entre espacio y tiempo. Él contrapone elementos opuestos en tensión guiándolos a un estado perfecto de equilibrio. De esa forma, Miura crea objetos que juegan con nuestra percepción de lo tridimensional y maravilla al público con la relativa simpleza e inconfundible belleza y precisión de sus obras.

      Rudolf Burda

      Rudolf Burda nació en 1973 en la ciudad industrial checa Mladá Boleslav, en el centro de Europa. De 1987 a 1991 estudió Rudolf Burda en la academia de arte de Turnov teniendo como especialidad en trabajo en metal. De 1992 a 1993 termino sus estudios con unas practicas en California y termino abriendo su propio atelier en casa, en la Republica Checa. En el año 2010 descubrió Burda su fascinación por el vidrio y desde ese momento trabajo solamente con objetos en vidrio soplados.

      Roland Helmer

      Desde los años sesenta desarrolla Roland Helmer sus obras constructivas y concretas. Sus primeras obras geométricas abstractas representan claras formas, áreas extensas y se limita al uso de un máximo de siete u ocho colores vivos. Conforme va pasando el tiempo el artista sus formas se reducen a diseños a lineas de distintos grosores, ya sea dispuestas de forma horizontal o vertical. La paleta de colores, sin embago, se expande por medio de la superposición del color blanco o negro. Como pintor constructivista, es uno de esos artistas que es capaz de construir una visión personal dentro de un mundo completamente geométrico.

      Jim Avignon

      Los cambios rápidos entre divisiones, géneros, entornos sociales y contextos son un tema clave dentro de la estrategia artística de Jim Avignon. Las reglas del mercado del arte no le han interesado nunca, sólo cuando es necesario romperlas o jugar con ellas de forma irónica. Él usa materiales de muy bajo coste concienzudamente para la producción de su obra e incluso a veces destruye su propia obra para regalar los restos al público. Su fantásticas imágenes de estilo pop con enormes áreas repletas de colores vivos y contornos negros muy marcados son una visión caricaturesca de los tradicionales géneros de la pintura de la era moderna.

      Jessus Hernandez

      Jessus Hernandez vive en el sur de California. Arquitectura y naturaleza convergen en sus creaciones de colores vivos, formas lineanes, luz y espacio, que se traducen en formas artísticas abstractas repletas de distintas perspectivas. El artista se siente fascinado por motivos urbanísticos californianos que se reflejan en los colores y motivos repletos de luz de sus obras.

      Bas Meeuws

      Bas Meeuws es un joven fotógrafo que está renovando completamente el género holandés de la naturaleza muerta, especialmente las composiciones florales. El artista compone sus obras tal y como lo hacían los maestros clásicos y del neoclasicismo, flor por flor de forma minuciosa. El resultado es una fotografía compuesta por multitud de capas que transciende las fronteras del tiempo. Dentro del area de la fotografía digital, él es absolutamente autodidáctico y un experto en obra documental, retrato y naturaleza. Sin embargo, es en especial en sus motivos florales en donde su fuerza expresiva sale a la luz: belleza, naturaleza, virtuosismo técnico, significado y arte. Su obra está profundamente conectada a la historia y tradición del arte, basándose en las naturalezas muertas del siglo XVII. Con esa pureza digital pulida del artista, las fotografías nos devuelven a la Edad de Oro de la pintura flamenca.

      Danielle van Zadelhoff

      Danielle van Zadelhoff sabe como capturar aquellos sentimientos tan difíciles de expresar que nos acompañan el resto de nuestras vidas, en una sola instantánea. Sus fotografías no pueden dejar a nadie indiferente. En sus imágenes uno puede vislumbrar vida, soledad, vulnerabilidad, inocencia y la pureza de las emociones. Especialmente hoy, cuando todo es cambiante y ruidoso, una imagen así te puede llevar de vuelta a lo que verdaderamente merece la pena de la vida y puede alcanzarnos profundamente. A veces nos olvidamos de nuestras raíces, pero todos tenemos un pedazo de historia con nosotros, que crece en nuestro patrimonio cultural común. Los invariables grandes temas de la vida convierten a los maestros clásicos y aquellos que reflejan su legado en su arte, en símbolos cautivadores, repletos de significado.

      Henning von Gierke

      Desde años conquista al público internacional el artista de Múnich Henning von Gierke con su estilo pictórico realista. El cuestiona en sus trabajos nuestra existencia, especialmente dentro de los contextos na- turaleza, religión y filosofía. Los temas clásicos mitológicos o de la cris- tiandad y la religión también representan una parte importante de su obra, como los retratos, bodegones y sus interiores. No sólo es solicita- do como pintor, sino también por ser director de cine y escenógrafo. Por sus escenificaciones fue galardonado con los premios alemanes „Gold“ y el „Silberner Bär“

      Slava Seidel

      Las composiciones mágicas de la pintora rusa visualizan un mundo entre la realidad y la ilusión. Sus dibujos en tinta sepia muestran escenas surrealistas en frente de una arquitectura impactante. Incluso en la deformación en curvatura la artista supera la presentación de las formas arquitectónicas más complejas – a pesar de la tecnología de tinta desafiante que no permite correcciones posteriores.

      Moto Waganari

      Moto Waganari crea figuras transparentes formadas por delicadas lineas. Iluminando sus figuras el artista multiplica el efecto tridimensional de la obras, revelando el alter ego inmaterial de cada efigie. Sus personajes parecen visualizar un mundo surrealista paralelo, lleno de sorpresas y enigmas. Las esculturas de Moto Waganari seducen al espectador con su intensiva apariencia y su sofisticada ligereza.

      Christiane Grimm

      Christiane Grimm construye sus artefactos como pequeños espacios dispuestos con diferentes materiales y cristales, los cuales ordena de tal forma que, por medio de su colación, crean un propio mundo de formas y colores. Christiane Grimm trabaja con la propia ilusión óptica, creada por el amontonamiento de distintos componentes, creando un efecto de tridimensionalidad y arquitectura.

      Udo Nöger

      Udo Nöger asistió a la Fachhochschule de la Universidad de Bielefeld y ha estudiado en Paderborn, Berlín y España. Gracias a la beca Nixdorf, pasó algún tiempo a principios de los 90 en Nueva York, New Yersey, Denver y Colorado.

      Nöger tiene como objetivo resaltar la luminiscencia de la pintura en su práctica. El artista es conocido por sus obras grises monocromáticas que dan la impresión de emitir luz. Nöger logra este efecto estirando múltiples trozos de tela o lienzo en un bastidor; previamente pinta o corta formas en las diferentes capas. Como resultado, la obra aparece más ligera y transparente en ciertas partes. También se sabe que Nöger pinta en la parte inferior de la tela, y que utiliza materiales de diferente grosor y opacidad.

      Las pinturas de Udo Nöger, que a primera vista parecen ser Expresionismo Abstracto gestual transmutado en una sutil y luminosa paleta de grises plateados pálidos, blancos y blanquecinos, cambian a medida que el espectador entra y sale o cambia el ángulo de visión, así como el nivel y la calidad de la luz que cae y se refleja en las obras. Las superficies desordenadas y las formas tubulares (que parecen aerografiadas, pero no lo son) cambian en cuanto a la nitidez (y por lo tanto en cuanto a la profundidad implícita) y el color uniforme. El color de la pared puede ser visible, y posiblemente también el suelo; es difícil descifrar cómo funcionan estas obras. Con su ilusionismo abstracto perfectamente calibrado, son espacialmente ambiguos.

      Lucas Blok

      Las pinturas de Lucas Blok emanan una complexidad innata. El artista guía al espectador a un mundo repleto de distintos matices. La obra de Blok empieza introduciéndonos en campos repletos de color y forma. La perfecta superficie de la obra de Block vibra: formas dominantes de los cuadros parecen desmaterializarse; colores quiméricos parecen trasladarse de una zona otra del cuadro. El artista guía al espectador dentro de un mundo repleto de colores que juega de la misma forma con nuestro sentido óptico y con nuestras emociones. Áreas de colores adyacentes armonizan o generan delicados contrastes que se transforman en una delicada composición cercana a una pieza musical.

      Medardus

      Camille Hagner, también conocido como Medardus, desarrolla sus series pictóricas buscando en el pasado. En sus pinturas al óleos el artista combina motivos clásicos de la pintura renacentista y barroca, fotografías antiguas y su propia imaginación, así cómo motivos sacados del mundo de la ciencia ficción, como aeronaves o robots. Medardus crea ambivalentes y extraños espacios visuales, en los cuales humanos, animales y máquinas emergen en visiones absolutamente atemporales. El artista vive y trabaja en Suiza.

      Herbert Mehler

      Las esculturas de acero del artista alemán Herbert Mehler acogen formas arcaicas de la naturaleza y geometría, las cuales pueden ser asociadas con formas orgánicas como plantas y distintos frutos. „Estoy convencido de que todos llevamos incorporados un grupo de patrones y formas básicas en nuestro interior que afectan a la propia percepción humana“ El escultor une de esa forma principios orgánicos y tectónicos – las distintas superficies que el autor genera nos recuerda a las formas de las copas de los arboles pero al mismo tiempo a columnas griegas. Las objetos curvilíneos de Mehler sugieren formas de ímpetu energético como metáfora del crecimiento orgánico y la vitalidad.